Mientras que durante gran parte del siglo XX se dedicaban a colgar cuadros en las paredes y a pedir a la gente que los admirara desde una distancia respetuosa, Julio Le Parc observó todo aquel montaje y decidió que le parecía innecesariamente estático.
Llenaba las salas de reflejos, movimiento, color e incertidumbre: obras de arte que se comportaban menos como objetos y más como fenómenos meteorológicos, convirtiendo a los visitantes habituales del museo en exploradores que deambulaban por tormentas de luz.
Le Parc falleció el 30 de mayo de 2026, a los 97 años. El 11 de junio se inaugura una gran retrospectiva en la Tate Modern, una exposición que aún estaba preparando en los días previos a su fallecimiento.
Julio Le Parc con «Continual Light Cylinder», 1962 © Atelier Le Parc 2026 ADAGP París y DACS Londres
Como es lógico, la mayoría de los homenajes se han centrado en su papel como pionero del arte cinético y óptico. Todo eso es cierto. Pero el campo inmersivo puede que acabe de perder a uno de sus precursores más importantes sin haberse dado cuenta del todo de que formaba parte de la familia.
La obra no era algo que se contemplara. Era algo en lo que te adentrabas.
¿Te suena?
El ámbito de la inmersión tiene la curiosa costumbre de considerar la participación como un avance tecnológico reciente. Parece que casi cada semana surge un nuevo vocabulario que promete explicar por fin la participación, el compromiso, el asombro, la transformación o la conexión humana.
Pero mucho antes de que lo «inmersivo» se convirtiera en una categoría, y mucho antes de que nadie descubriera que anteponer la palabra «inmersivo» a cualquier cosa podía aumentar tanto el precio de las entradas como el interés de los inversores, Le Parc ya se enfrentaba a muchas de las mismas cuestiones que hoy en día animan el diseño experiencial.
¿Cómo se consigue que un espectador se convierta en participante? ¿Cómo se logra que alguien tome conciencia de su propia percepción? ¿Cómo se genera asombro sin recurrir a una historia, un personaje, unas gafas de realidad virtual o una pantalla?
No se trataba de cuestiones secundarias en su obra. Eran la obra en sí.
Una habitación donde la certeza se rinde
Si nunca te has encontrado con una instalación de Julio Le Parc, imagina que entras en una sala en la que la certeza ha presentado, como es debido, su carta de dimisión.
La luz rebota. Las sombras se desplazan. Aparecen reflejos donde no deberían. Los objetos parecen moverse, luego se detienen y vuelven a moverse.
En algún lugar cercano, otro visitante da un paso y toda la composición cambia, como si la propia sala se hubiera percatado de su presencia y hubiera decidido colaborar.
La mayor parte del arte nos invita a quedarnos quietos y observar. La obra de Le Parc sugería, de forma educada, que quedarnos quietos podría ser parte del problema.
Julio Le Parc en la Tate Modern: una instalación en la que se invita a los visitantes a sentirse parte de unas obras de arte gigantes e inmersivas© Tate Photography (Kathleen Arundell)
Hoy en día, cuando hablamos de experiencias inmersivas, solemos centrarnos en la tecnología: motores de renderizado en tiempo real, sistemas de proyección, configuraciones de audio espacial, infraestructura de seguimiento, tecnología háptica, sensores, hardware de realidad extendida (XR), modelos de IA generativa y cualquier acrónimo que se esté mostrando en ese momento con gran entusiasmo y un presupuesto considerable en el pabellón de una feria comercial.
A Le Parc le interesaba algo más fundamental: qué ocurre cuando el público deja de ser mero espectador y pasa a formar parte del sistema. La maquinaria puede cambiar, pero la cuestión subyacente sigue siendo la misma.
La luz nunca fue lo importante. Lo importante era lo que les sucedía a las personas cuando la luz las encontraba.
Muchas experiencias basadas en la ubicación que han tenido éxito lo entienden de forma instintiva. Un visitante que se adentra en un entorno de teamLab, en una instalación del Balloon Museum o en uno de mundos luminosos de Moment Factory no se limita a consumir contenido. El visitante no se limita a observar la obra, sino que, en realidad, la completa.
Da un paso y todo se reorganiza a tu alrededor.
Por qué se le considera parte de la familia
Así que vayamos al grano en lo que respecta a la herencia.
La obra de Le Parc difumina la frontera entre el espectador y la obra de arte. No te limitas a mirarla. Te adentras en ella. La experiencia depende de tu presencia y tu participación. Si te mueves, ella se mueve contigo. Si cambias de posición, la composición cambia contigo.
La obra de arte no es un objeto inmóvil que espera a ser observado. Es una relación que espera a ser activada.
Conseguía despertar el asombro a través de la propia percepción. Sin un mundo narrativo. Sin un elenco de personajes. Sin propiedad intelectual. Sin una mitología que memorizar. Sin pantalla. Sin instrucciones de uso. Solo luz, movimiento, espacio y la inquietante constatación de que la realidad podría ser un proceso más colaborativo de lo que solemos reconocer.
Quizá lo más importante es que abordaba la participación a través del juego, en lugar de hacerlo con reverencia.
Su obra era abierta, alegre y accesible. Los visitantes no necesitaban conocer la teoría del arte para participar. Solo tenían que entrar en la sala y prestar atención.
En conjunto, esas ideas empiezan a resultar sorprendentemente familiares.
Desde su inauguración en Roma en 2022, el Balloon Museum ha recibido a más de diez millones de visitantes en Europa, Asia y América del Norte.Imagen cortesía de Lux Entertainment
Un visitante entra en un entorno diseñado. El entorno responde a su presencia. El significado surge a través de la participación, más que de la observación. El público contribuye a completar la obra. La experiencia no se ofrece a las personas, sino que se materializa a través de ellas.
No se trata simplemente de algo relacionado con el entretenimiento inmersivo y basado en la ubicación de hoy en día. Es la lógica en la que se basa.
Roberto Fantauzzi, director general de Lux Entertainment, cuyo Museo del Globo ha dedicado los últimos años a convencer a millones de personas de que el arte contemporáneo resulta mucho más agradable cuando te permiten entrar en él, lo expresa así:
«Lo que me fascina es el momento en el que un visitante deja de ser un mero espectador y pasa a formar parte de la composición. Ahí es donde el arte experiencial contemporáneo cobra toda su fuerza. Las experiencias más memorables no se ofrecen al público, sino que son el público mismo quien las completa».
«El artista crea las condiciones, pero el significado surge a través de la participación. En ese sentido, el visitante no se limita a asistir a la experiencia, sino que contribuye a crearla».
Ya se trate de una obra de teatro inmersiva, una experiencia de realidad virtual en un espacio físico, una atracción multisensorial, un entorno museístico interactivo o una evento social competitivo , un mundo narrativo o una instalación experiencial a gran escala, el mecanismo subyacente sigue siendo notablemente coherente.
Los formatos son distintos. Las tecnologías son distintas. Los enfoques creativos son distintos. Y, sin duda, los modelos de negocio son distintos.
La proposición no lo hace. Las personas entran en un espacio. El espacio invita a la acción. La acción crea significado.
El esqueleto que se esconde tras el espectáculo
Para que quede claro, Le Parc no fue, ni mucho menos, el único en explorar estas ideas.
Un historiador del arte bastante irritado podría mencionar a Yayoi Kusama, James Turrell, Olafur Eliasson, GRAV, Allan Kaprow, Hélio Oiticica, Robert Irwin y una larga lista de otros artistas, movimientos y provocadores que cuestionaron la relación pasiva entre el público y la obra de arte.
Tendrían razón.
La cuestión no es que Le Parc inventara la participación. La cuestión es que ofrece una visión inusualmente clara de la misma.
La exposición «Infinity Rooms», de Yayoi Kusama, también se exhibió en la Tate Modern, del 18 de mayo de 2021 al 28 de abril de 2024. © Tate Modern/Yayoi Kusama
Su trabajo reduce la ecuación a lo esencial. Elimina la propiedad intelectual. Elimina el andamiaje narrativo. Elimina la mecánica del juego, la pila tecnológica, la mitología, la construcción del mundo y el vocabulario cada vez más elaborado que hemos desarrollado en torno al diseño de experiencias inmersivas.
Lo que queda es una persona, un espacio, un conjunto de condiciones perceptivas y una invitación a participar.
Esa sencillez es precisamente lo que lo convierte en un antecesor tan útil para los creadores actuales. Contemplar la obra de Le Parc es un poco como observar un dibujo anatómico: se ha eliminado gran parte de la carne, dejando al descubierto la estructura subyacente.
Y la estructura resulta sorprendentemente familiar.
Un visitante entra en un entorno diseñado. El entorno responde. El significado surge a través de la participación. El público contribuye a completar la obra. La experiencia no se ofrece a las personas, sino que se materializa a través de ellas.
Julio Le Parc no inventó el diseño de experiencias inmersivas. Pero comprendió algo fundamental que muchos de los creadores actuales siguen buscando: la participación no es una característica más de la experiencia.
Es la experiencia.
Lo que nos deja
La gente no recuerda rasgos. Recuerda momentos: el momento en que perdió la noción del tiempo o en que vio cómo algo familiar se volvía extraño. Ese momento, ese pequeño cambio en la persona que estaba allí de pie, constituía toda la obra de Le Parc.
Además, si somos sinceros, es lo único que el sector de la «inmersión» ha vendido realmente hasta ahora. Ya he argumentado en otra ocasión que el cambio de estado es más importante que la historia. El mismo principio se aplica aquí.
La verdadera labor del diseño experiencial no consiste en transmitir contenidos, sino en orquestar el cambio: un cambio en la percepción, la atención, las emociones o la comprensión.
Le Parc lo entendió de forma instintiva.
La exposición de la Tate Modern presenta más de 60 obras que abarcan los 70 años de carrera de Le Parc, entre las que se incluyen instalaciones interactivas, esculturas lumínicas y pinturas abstractas geométricas.© Tate Photography (Kathleen Arundell)
Y ese es el legado que merece la pena reivindicar. A medida que el valor pasa de lo que vemos a los lugares a los que vamos, el activo no es la sala, el equipo ni la propiedad intelectual, sino lo que le ocurre al visitante en su interior.
Si diseñas pensando en eso, conseguirás crear un momento que ningún competidor podrá imitar: alguien entra y sale viendo el mundo —y quizá también a sí mismo— de una forma un poco diferente.
Julio Le Parc dedicó toda su vida a perseguir esa transformación, y el resto de nosotros seguimos intentando ponernos a su altura. Su obra, por su parte, sigue brillando, oscilando e insistiendo con delicadeza en que el público tiene un papel que desempeñar.
Este artículo forma parte de una exploración en curso del cambiante panorama de la realidad inmersiva: cómo nos hemos desviado del camino, quiénes luchan por devolverle el sentido y por qué es importante.
Para saber más sobre el tema de esta columna, empieza por ¿Es este artículo inmersivo?, donde expongo la misión: recuperar la inmersión de manos de los vendedores de trucos publicitarios y devolvérsela a quienes crean experiencias en las que merezca la pena sumergirse.
